放映電影：《印度之歌India Song》
時間：2013年10月15日
地點：華山光點2F藝文廳
出席與談人：2006女性影展策展人黃翠華（以下簡稱黃）
黃：
在2006年的時候，當時女性影展的策展概念是以「跨界」為主題，囊括各式各樣的藝術型態（例如攝影、文學等）加入新意，融合至電影中。其中，當年舉辦的瑪格麗特‧莒哈絲專題，選入很多她的電影作品。法國女作家莒哈絲在文學上極富盛名，是二十世紀最有影響力、最富魅力與個性的女作家之一，其作品享譽國際且廣受歡迎。1914年出生在越南嘉定，父母都是小學教師。她四歲喪父，童年的苦難和母親的悲慘命運影響了她的一生。她的作品包攬小說、劇本和電影三種敘事方式，在法國乃至全世界都擁有廣泛的讀者。
《印度之歌》原本是莒哈絲在1972年寫的舞臺劇劇本，但這個劇本在1975年時是先以電影的形式呈現（自編自導），一直沒有在舞臺上演出。第一次在舞臺上演出已經是1993年，莒哈絲去世的前3年。想必各位觀眾第一次觀影的經驗可能跟我一樣，看得一頭霧水！因為畫面中太多聲音了，也沒辦法一時搞清楚電影中角色的設定和舞台指示。但經過反覆觀看及讀了原著劇本後，發現莒哈絲在影片中安排了許多有意義的細節，更可以瞭解電影中的概念和劇情。《印度之歌》用了與畫面無直接相關的多方聲音，成功塑造了影中女主角的極大魅力。我們可以發現除了戲中的男角色都為她著迷，就連觀眾也最注意她。
如果對莒哈絲的作品有深入研究，我們看到在她的小說裡面，像《副領事》、《恆河女子》…等，裡面的女人好像都是同一個原型，都是安娜瑪莉，一個生活悲慘的女人。故事都差不多，而且發展的劇情都有關聯。如果有先前讀過她的作品，就可能可以注意到其他細節。在《印度之歌》劇情中有主線和虛線，包括從沒露面、只有聲音演出的女乞丐及駐大使館女夫人，這兩個主角遭遇類似、有著平行關係，但也因此產生極大對比。
這部戲不只是在談愛情，愛情像是生活的出口。我們可以看到戲中代表駐外優越的白人，在如此刻苦的時代下，對於生活的不痛不癢。這樣外在的生存條件下，對比內在心理的死沉、空洞和疲乏。其中，副領事因求愛遭拒的失戀，他的痛他可以不顧形象、撕心裂肺地叫喊大哭，這樣的外顯情緒反而是整齣戲中，最保有生命力的表現。其他的白人整天光鮮亮麗，同時行屍走肉，和外頭人民苦痛無關，也對愛也無任何作為。
另外值得一提的是，《印度之歌》很注重感官的呈現，會使用很多形容細膩地描述時地物也充滿「氣味」（例：痲瘋病人躲到樹裡的鮮花香味、混著火光閃爍的焚屍焦味…等），提供了非常實質的感官度，讓觀者的想像力更加具體，算是舞台劇劇本的一項長處。
對於莒哈絲，當年在2006年有選進很多她的作品，有很多都推到極限、非常實驗性。不過同時在影像上表達還是很有故事性。她的風格一開始呈現呢喃催眠，但最後往往微妙地可以帶領觀眾進入她精心營造的情境中。我們開始為各種角色投射情感，時而感到開心或難過。這種手法不會把事事都講得很直接，幾乎都由旁白隱晦暗喻。
(觀眾QA)
Q：看完《印度之歌》就感受到這是一部非常富有文學性的作品，像是欣賞一部長篇詩歌一樣迷人。會不會覺得這樣的劇情搬上舞台劇會有更好的呈現？
黃：
裏頭的劇情內容，和電影比對起來，當然是舞台劇比較有發揮空間（原本就為舞台劇劇本而創作），但即便是拍成電影，也是在做莒哈絲自我的創作，所以富有她個人魅力的文學性。當年在法國，受到對電影特別熱愛的人們歡迎，原因在於她的作品擁有很多層次、很多點去敘述劇情，像拼圖一樣。外加豐厚的三度空間，時間設定上也是跳躍的，所以對觀眾算是很大的挑戰，也讓觀眾可以去拼湊、反覆思考劇情的內容，很有意思。建議可以再去看劇本，這樣就可以更了解作者要表達的東西。
Q：首先謝謝黃策展人在2006年時安排了莒哈絲的專題影人，那時非常熱愛、所有作品都看了！獨缺因為工作錯過的《印度之歌》，得知今年女性影展20周年經典回顧被選進片單中，真的非常高興，決定一定要排除萬難來看的。本身也複習過《印度之歌》劇本，想請問電影中大量運用「鏡子」的運鏡調整，是莒哈絲特別想要暗喻什麼嗎？
黃：
鏡子在當代劇場用過很多，它可以代表成是幻影、幻象的表現。有時在《印度之歌》我們先看到鏡子反射的幻影，一下又看到現實本尊，讓大家迷幻又真實。像是副領事終於和女夫人跳舞時，最後發現是鏡像。這樣的安排，我解讀成一切都是副領事的幻覺、傷心欲絕從來沒能高攀女夫人的一切。另外，電影中的文學象徵很高，這跟莒哈絲本來的拿手項有很大的關係。例如顏色的表現，電影大部分呈現黑白灰的低迷消沉感，女夫人禮服的紅就特別突顯慾望感，但那樣的暗紅血色又可以解釋成不新鮮，暗喻她一開始的死亡。在《印度之歌》莒哈絲做了很多類似的暗喻，有待觀者自行發掘想像。
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